Чем отличается арт от рисунка: «В чем отличие иллюстрации от обычного рисунка?» – Яндекс.Кью

разбираемся в терминологии геймарта — Gamedev на DTF

В индустрии используют множество терминов — скетч, тамбнейл, концепт-арт, иллюстрация. Разбираемся, что это за слова, как и когда их применять.

Мой концепт еще не готов. Как мне назвать текущую стадию работы?

Набросок, скетч, тамбнейл, и с парой оговорок, драфт — все эти слова описывают этапы подготовки работы и относятся как к иллюстрации, так и к концепт-арту. Разница между ними — в степени проработки изображения.

Что такое скетч?

Скетч — это один из начальных этапов работы над изображением. Обычно на его выполнение отводят небольшой временной промежуток, чтобы сэкономить время и силы.

То, что профессионалы называют “скетчем”, для новичка может быть пределом проработки изображения.

Делая наброски, опытный художник может использовать целый набор приемов (фотобаш, 3D моделирование, быстрая покраска градиентами и т.п.) и в результате быстро создать серию изображений высокого качества. Увидев такие “скетчи”, новички часто расстраиваются или подозревают художника в заигрывании с аудиторией. Но это не так – просто уровень мастерства у всех отличается.

​Ежедневные скетчи.

Johan Grenier, художник из Франции.

В некоторых проектах скетч может сойти за концепт (если заказчика устраивает текущий уровень проработки).

А что за тамбнейл?

Тамбнейл — миниатюрный набросок, который выполняют в самом начале работы, чтобы быстро определиться с композицией, размерами предметов, силуэтом и т.п. вещами. Смысл в том, чтобы сосредоточиться на маленькой картинке и не тратить время на детализацию. О небольшом размере такого изображения говорит английское слово, от которого и произошел термин — thumbnail, ноготь большого пальца.

Изначально этот термин применялся к рисунку окружения, но сейчас его часто используют для описания этапа в дизайне персонажей, когда художник рисует вариации силуэтов и дизайна героя.

​Классические тамбнейлы с окружением. Работа студента.

​Линар Сунгатуллин

​Тамбнейлы, посвященные поиску дизайна и цветовой схемы

Смышляева Ольга

Тогда что за “драфт”?

Драфт (от англ., “черновой вариант”) — это этап проработки дизайна. Степень проработки не имеет большого значения, важно лишь, собирается ли художник внести еще изменения в работу или нет.

Живопись и рисование? Одно ли это и то же, и в чем разница?

— Вау, классно нарисовал картину! – сделал комплимент работе и тут же обидел художника неправильной терминологией

Наверное, вы знаете, друзья, что хорошего, но впечатлительного художника можно обидеть, если сказать ему, что он «рисует» свою картину. Это все равно, если сказать, что корабли в море плавают,… но все мы знаем, что корабли в море ходят!

Всё-таки, человек, далекий от изобразительного искусства, зачастую не может точно сказать, что такое живопись, что такое рисование и чем они отличаются друг от друга. Потому и «рисовать», и «писать» для него — одно и то же. Но попробуйте сказать мэтру, что у него хороший «рисунок» на холсте!

Нет более легкого способа ранить чувствительную творческую натуру, хоть простой зритель и не сразу поймет, что тут неправильного и обидного.

Живопись и рисование — понятия близкие и даже родственные, но четко разделяющиеся между собой. Равно, как и хорошо известно, когда картины пишут, а когда рисуют.

Давайте попробуем разобраться с этой терминологией в изобразительном искусстве. Поверьте, это не только важно для тех, кто занимается творчеством, но ещё и интересно.

Разница между живописью и рисованием

Говоря строгим формальным языком, рисование — это изображение любых образов, предметов и явлений на плоскости. Рисовать можно мелом, ручкой, карандашом, красками — всем, что оставляет следы на той или иной поверхности.

В общем случае даже царапание алмазом по стеклу или, например, графика ручкой на уроке и нанесение татуировки — это тоже рисование.

А вот живопись — это тоже изображение предметов и явлений, но только с использованием красок. То есть, говоря сухим и формальным языком, живопись — это один из вариантов рисования, при котором в качестве инструмента используется кисть, а средством, создающим изображение, являются краски.

 Другими словами, рисование это графика и считается официально графикой  всё то, что выполнено на бумаге, и как не странно, акварель считается  тоже графикой. Хотя многие работы рассматриваются как живописные и на бумаге тоже

 Так что, все что на бумаге — графика, а все остальное — живопись… на холсте, дереве, стекле, стене

Помните уроки рисования в школе? Там весь предмет так и назывался: изобразительное искусство. Не было отдельных уроков по живописи или по рисованию, просто сегодня учили работать с маслом, а в другой день — с карандашами.

Отсюда и распространенное мнение, что живопись — это лишь вариант рисования. Формально это так, в действительности — иначе.

Изобразительное искусство — Искусство Запечатления Образов = ИЗО, объединение различных видов живописи, графики, скульптуры

На самом деле такая иерархия является настоящей канцелярщиной. В изобразительном искусстве сегодня имеется четкое разделение: живопись — это работа с кистью и красками на плотных материалах, рисование — это использование всех остальных материалов на бумаге.

Пусть это не так строго и научно, но мир искусства потому и любим многими, что он неподвластен науке, а потому законы его не обязательно должны соответствовать строгой классификации и терминологии.

Есть и другой нюанс: подумайте над самим словом «живопись» — оно состоит из двух частей: «живое» и «писать». Интерпретировать это можно по-разному, но многие художники говорят, что работа с красками является живой именно потому, что сами краски после нанесения на холст высыхают и несколько меняют свои свойства, то есть живут своей жизнью.

И у самого изображения появляется своя динамичная жизнь, картина оказывается живой. Или живописание — писать по живому.… Вообще же, слово живописание, звучит высоко и красиво, на мой взгляд

Разглядывая и размышляя над живыми картинами

Значит, с этой частью мы разобрались: живопись — это работа с красками, рисование — использование других средств. Причем и станковая живопись, и монументальная, и декоративная так же отличаются от аналогичных форм рисования.

Наносят на стены краски — речь идет о живописи, разукрашивают их мелками — это уже рисование.

Пишут картины, или рисуют?

Другой, не менее острый вопрос — как именовать сам процесс создания картины. Вроде бы, если создаётся изображение, значит, его рисуют. А если говорят про письмо, то подразумевают обычно текст.

Здесь терминология имеет глубокие исторические корни. Живопись на Руси постепенно развилась из иконописи, когда мастера начали пытаться оживить, делать более яркими библейские мотивы, используя те же техники, а затем и вовсе перешли на картины, никак не связанные с религией.

Но поскольку иконы изначально «писали», то это слово перекочевало в живопись и сегодня картины маслом тоже пишут.

Я часто грешу и обычно «рисую» свои картины

Если же речь идёт про рисование, то все произведения здесь рисуют, сколь бы значительны они ни были. Можно, конечно, сказать, что художник «написал» карандашом эпичное полотно, но это — не более, чем вольность.

Можно ли рисовать на холсте?

Вообще принято говорить, что на холсте пишут маслом, а, например, просто на бумаге рисуют. Но это не абсолютные правила.

Например, перед письмом красками художник может сделать набросок карандашом на холсте. Это рисунок, его автор рисует. И только когда на этот рисунок наносятся краски, начинает писаться картина.

Хотя, никто не запрещал рисовать карандашами, углем на холсте… вопрос только в том, что рисовать на тканевом полотне не совсем удобно для сухих техник, если конечно, это не смешанная техника, где возможно использовать все.

То же актуально для любых других основ, не только станковая живопись позволяет писать картины. Например, монументальная живопись подразумевает написание картин  красками на различных архитектурных объектах фасада, декоративная живопись — это письмо на различных предметах и деталях интерьера, альфрейная живопись — это росписи стен внутри помещения различными фресками и росписями — обманками

В то же время, если мы возьмём стакан или кувшин и распишем его, например, тушью, это уже будет декоративное рисование. А значит, от основы никак не зависит, живописью мы занимаемся, или рисованием. Всё дело только в материалах, с помощью которых создаётся картина.

И напоследок: не стоит считать, что живопись — это для профессионалов, а рисование — для любителей. Вовсе нет! Зачастую карандашами, пастелью или мелками создаются произведения, не менее грандиозные и великолепные, чем картины маслом или акрилом.

Да и сложность создания работы, например, только карандашами, очень велика. Поэтому если вам нравится рисовать, вовсе не обязательно мучить себя и заставлять писать непременно красками — вполне можно создавать шедевры тем, что вам больше всего нравится.

Мастера портретов в графике

Только в этом случае, кстати, вы сможете в полной мере выразить себя и свои эмоции в вашей работе, будь то на холсте, бумаге, стекле или на стене!  Именно они — первичны, а материалы и техники — это лишь инструменты, среди которых вы выбираете самые удобные для вас.

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

«Чем паблик-арт отличается от стрит-арта?» – Яндекс.Кью

На мой взгляд, основное различие между паблик-артом и стрит-артом заключается в том, что паблик арт подразумевает заказ с чьей-то стороны (государства, музей институции, крупной компании и т.д.), тогда как стрит арт зачастую носит подрывной и провокационный характер, хотя известно множество примеров работ, которые себе такой задачи не ставят. По понятным причинам для стрит-арта принципиальна анонимность. Для паблика-арта достаточно четырех составляющих — заказчика, города, публики и работы (скульптуры, граффити, инсталляции и т.п.), выполненной художником.

Художников, занимающихся паблик артом, великое множество — от Джефа Кунса до известных в Москве Небесных рыб, семье художников, которые делают фигуры рыб из осколков зеркал.

В России, а именно в Москве, паблик арт начинает активно превращаться в жэк-арт, становясь чем-то средним между соцреализмом и представлением о прекрасном совсем не насмотренных людей. Зачастую люди, которые принимают решение и наделены властью, скорее всего, не хотят сделать ничего плохого, но получаются довольно печальные вещи, например, как Пушкин и Гончарова делают сэлфи. Однако если учитывать демократический характер нашего общества, в котором принято учитывать любые мнения и вкусовые предпочтения, то такие вещи, кажется, должны иметь право на существование.

Самый известный представитель стрит-арта — Бэнкси, анонимный художник, отметившийся своими работами не только в Лондоне и Нью-Йорке, но и в Секторе Газа. Другой менее известный, но более радикальный — Кidult, прославившийся своими гигантскими надписями на дорогих бутиках. Краску он распрыскивает из огнетушителя, кажется, когда-то даже пытался их продавать.

Русский Бэнкси, Паша183, как его прозвала британская The Guardian, хорошо известен российской публике по своим очкам на снеге, крыльям ангела на остановке и бетонным плиткам Аленки. Российского художника Тимофея Радю, который делает работы как в направлении стрит-арта, так и паблика-арта, знает, наверное, каждый житель Екатеринбурга, но удивительно, что многие образованные молодые люди зачастую даже и не слышали его имени, хотя наверняка не раз видели его работы. Абажуры в городском парке (паблик-арт), надпись на билборде “Я бы обнял тебя, но я просто текст” (стрит-арт), Стабильность, и множество других удачных вещей, которые, как мне кажется, должен знать каждый. Это один из немногих удачных и постоянных российских художников.

Art: Виды арта

   Стикер-арт (англ. Sticker art) — одна из форм уличного искусства,
в котором изображения несут наклейки. Содержание таких наклеек может
быть разнообразным, и включает многие подкатегории граффити. Стикеры
начали активно распространяться с начала 2000-х годов и часто появлялись
в крупных городах, например, на мусорных баках, дорожных знаках и
стенах домов. Первопроходцем этого вида искусства считается Шепард Фейри.

  
  Апт-арт — «квартирное искусство», название происходит от
английских слов «apartment» (квартира) и «art» (искусство). Апт-арт —
термин, изобретенный художником Никитой Алексеевым
для домашней выставки, которая оформляется в начале 80-х годов в
качестве особого экспозиционного жанра, ставшего ярким художественным
явлением и оригинальным, чисто российским вкладом в развитие
современного искусства. Апт-арт — искусство созданное именно с расчетом
на такой способ демонстрации.

   Виженари арт (англ. Visionary art — визионерское искусство) — художественный стиль, имеющий в своей основе спонтанное изображение увиденного в изменённом состоянии сознания, религиозного, медитативного созерцания, транса, а также флешбэков, возникающих после так называемых «трипов».

 
    Концепт-арт — направление в искусстве,
предназначенное для того, чтобы визуально передать идею произведения,
но не форму или внешние атрибуты. Как правило создаётся на начальной
стадии разработки проекта и предназначается для использования в фильмах, компьютерных играх, комиксах до создания финальной версии. Также называется «концепт-дизайном». Не следует путать с концептуальным искусством.

   
    Фурри-арт (от англ. furry art), иначе фурри-искусство — художественные работы, темой которых являются антропоморфные (очеловеченные) животные. Фурри-артом называют художественные работы, созданные в контексте субкультуры фурри
как главной целевой аудитории, реже так называют художественные работы,
предназначеные для широкой аудитории, но содержащие антроморфных
животных персонажей.

    Латте-арт (от итал. Latte art, «молоко» + «искусство») — это особый способ вливания вспененого молока в эспрессо, благодаря чему на поверхности кофе
создаются различные узоры. Также узор может быть создан путём простого
рисования на верхнем слое пены, например зубочисткой или другим острым
предметом. Латте-арт требует чёткого соблюдения пропорций молока и кофе.

    Сёрф-арт (англ. Surf Art) — направление в искусстве, сформировавшееся в начале 20-го века. Отличается использованием элементов импрессионизма, постимпрессионизма, сюрреализма,
абстрактных и парадоксальных сочетаний форм. Сёрф-арт включает в себя
картины, скульптуры и различные элементы дизайна, в которых изображен
подлинный сёрфинг, образ жизни и всё, что с этим может быть связано.

     
   
   Паблик-арт (Общественное искусство; искусство в общественном пространстве; англ. public art)
— искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного
зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством.

     
   Лэнд-арт (от англ. land art — ландшафт-искусство), направление в искусстве, возникшее в США в конце 1960-х годов, в котором создаваемое художником произведение было неразрывно связано с природным ландшафтом.
Работы лэнд-арта не были по отношению к ландшафту внешними или
привнесёнными, последний использовался скорее как форма и средство
создания произведения. Часто работы выполнялись на открытом и удалённом
от населённых мест пространстве, в котором оказывались предоставленными
самим себе и действию природных сил.

   Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.
Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

• изменяются масштаб и материал;
• обнажается приём или технический метод;
• выявляются информационные помехи и др.

    Боди-арт (англ. body art — «искусство тела») — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело человека, а содержание раскрывается с помощью невербального языка:
поз, жестов, мимики, нанесения на тело знаков, «украшений». Объектом
Боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела.

   Мэйл-арт (англ. mail art) — вид современного изобразительного искусства, применяющий почтовые марки и другие почтовые материалы как изобразительные средства.

  Стрит-арт (англ. Street art —
уличное искусство) — изобразительное искусство, отличительной
особенностью которого является ярко выраженный урбанистический стиль.
Основной частью стрит арта является граффити (иначе спрей-арт), но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры (некоммерческие), трафареты,
различные скульптурные инсталляции и т. п. В уличном искусстве важна
каждая деталь, мелочь, тень, цвет, линия. Художник создает свой
стилизованный логотип — «уникальный знак» и изображает его на участках
городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте — не присвоить
территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную
программу.

   Фан-арт (англ. fan art) — разновидность творчества поклонников популярных произведений искусства, производное рисованное произведение, основанное на каком-либо оригинальном произведении (как правило, литературном или кинематографическом),
использующее его идеи сюжета и (или) персонажей. Также стало популярно
рисовать фан-арты к играм. Авторские работы фанатов отдельного
произведения или их сходной группы на тему доработки внешности
персонажей, места действия и т. п. Фан-арт не включает самостоятельно
придуманные доработки и их литературные описания.
   Фан-арт может представлять иллюстрацию, пародию, карикатуру, кроссовер («переплетение» нескольких произведений), и др.

Интерпретация рисунков: цвет, сюжет, размер, положение на листе

Интерпретация рисунков — полезное умение для родителей. Ведь можно отслеживать не только развитие художественных навыков, но и изменение душевного состояния ребенка, его интересов и представлений.

Один и тот же сюжет или пейзаж каждый нарисует по-своему. Любой автор выберет краски, формы и линии, созвучные его представлению, ощущению, настроению. Любое изображение сначала возникает в голове в виде образа, а затем отражает на бумаге мысли и чувства автора. Так действует психический механизм сублимации в арт-терапии.

Особенно ярко это видно в детских рисунках. Конечно, нельзя делать вывод на основании одного рисунка: «Раз нарисовал всё черным фломастером, значит, у него депрессия». Для того, чтобы получить объективную картину состояния юного художника, нужно сравнить несколько рисунков, сделанных в течение месяца или двух.

Интерпретация рисунков: сюжет.

Родители часто спрашивают психолога, что значит тот или иной рисунок или какая-то деталь в нём. Если Вы хотите разобраться в этом сами, начните с главного — общего впечатления от рисунка (грустный, веселый, спокойный, тревожный, нежный, агрессивный и т.д.) — чувства Вас не обманут.

Затем обратите внимание сюжет. Проще всего спросить ребёнка: «Расскажи, что ты нарисовал?» Вопрос «А что это такое?» может показаться обидным для малыша, так как такая формулировка означает, что он нарисовал плохо, непонятно, непохоже. В то время как вопрос, начинающийся со слова «расскажи» — это приглашение к беседе, показывающее заинтересованность взрослого, его одобрение.

Наиболее частые сюжеты детских рисунков – животные и люди, солнце и небо, дома и  деревья, трава и цветы, города и машины. Постоянное отсутствие людей на рисунках указывает на трудности в общении.

Большое количество зубастых, рогатых, злых и опасных животных указывает на напряженное состояние ребенка, он как будто находится в опасности и ожидает нападения.

Если мальчик в возрасте 6-7 лет рисует войну, оружие, динозавров, скорпионов – не волнуйтесь, это нормально. Таким образом он готовит себя к роли мужчины, защитника, воина, чтобы в реальной ситуации не растеряться от неожиданности и правильно среагировать в случае опасности.

Если девочка 6-8 лет часто рисует принцесс, невест, бантики и розочки – это также нормально и говорит о том, что она готовится к роли девушки, женщины, самой обаятельной и привлекательной.

Интерпретация цвета в рисунке.

Цвет в рисунке передает эмоции и чувства. При интерпретации цвета в рисунке нужно обращать внимание прежде всего на те цвета, присутствие которых преувеличенно или неоправданно. Например, когда весь рисунок выполнен черными контурами, и малыш отказывается его раскрашивать. Или красным нарисованы предметы, которые на самом деле «уж точно не красные». Важное значение играет цвет фона, которым закрашено всё свободное пространство рисунка. Например, в рисунке семьи он может обозначать общую психологическую атмосферу дома.

Синий — цвет уверенности и спокойствия. Например, школа синего цвета – признак хорошей адаптации к учебному процессу.

Зеленый – передает ощущение надежности, принятия. Но если его слишком много, то это уже тоска.
Рисунок молодой мамы на тему «Бессилие» практически состоит из зеленого цвета:

Красный – эмоциональное напряжение, раздраженность, конфликт. К примеру, красным может быть нарисован кто-то из членов семьи.

Желтый – активность, хорошее настроение, позитивный настрой.

Розовый – ощущение нежности, чувствительность.

Рисунок семьи девочки 8 лет: фон розового цвета указывает на ее нежное отношение к членам своей семьи:

Серый – состояние смутной тревоги.

Черный – указывает на подавленность и тяжелые переживания, если его слишком много в рисунках.

Рисунок мальчика 5 лет: красный и черный цвет выражают злость и обиду на человека, над которым нарисован знак минус:

Всегда можно уточнить субъективное значение того или иного цвета для рисующего: «А фиолетовый цвет — он какой? Добрый или злой? Грустный или веселый?» К примеру, значение красного цвета сильно отличается для разных людей. Красный — яркий и эмоциональный, но может быть как радостным, так и злобным.

Независимо от цвета, полное заштриховывание, закрашивание, замазывание фигуры сигнализирует о сильных негативных переживаниях. То, что закрашено, вызывает у вашего малыша большую тревогу или страх. Это может быть как фигура тяжело заболевшей бабушки, так и врач с уколом или злая собака.

Значение размера рисунка.

Важен как размер самого рисунка относительно листа бумаги, так и размер отдельных деталей. Маленький рисунок и мелкие фигуры указывают на неуверенность, робость, тревогу юного художника. Расположение рисунка выше средней линии листа говорит о завышенной самооценке и недовольстве своей ролью в коллективе, группе. Преувеличенный размер рисунка, который пытается выйти за границы листа, говорит о низком самоконтроле, склонности к необдуманным поступкам.

То, что для ребенка важно, он рисует большим. А то, что не очень значимо ‐ маленьким. Рисуя своих друзей, он нарисует самым большим не самого высокого, а того, кто оказывает на него наибольшее влияние. А незначимые детали может вообще опустить. Обратите внимание, если пропущены или недорисованы руки – это указывает на трудности во взаимодействии с окружающим миром, в частности, в общении. Сильно увеличенный размер головы на рисунке говорит о том, что у автора разум превалирует над чувствами, и он ценит в других людях ум и эрудицию. Увеличенный размер ушей указывает на значимость мнения окружающих – он как бы «прислушивается» к их словам. Плотные, устойчивые, хорошо прорисованные ноги и ступни (обувь) говорят о твёрдой жизненной позиции («твёрдо стоит на ногах»).

Нажим и расположение элементов рисунка.

Чтобы оценить уровень нажима, нужно перевернуть рисунок и посмотреть на продавленные линии с другой стороны. Сильный нажим — это высокое напряжение. Напряжение может быть высоким вообще (постоянно, на протяжении всего рисования) или только в отдельных участках рисунка. Например, всех членов семьи ребенок нарисовал со средним нажимом, а папу — с сильным. Это значит, что отношения с папой очень напряженные. Слабый нажим, когда линии едва заметные и прерывистые, указывает на астению, сниженное настроение, апатию («всё валится из рук»).

Верх рисунка имеет несколько толкований. С одной стороны, это сфера духовного: мыслей, чувств, фантазий, — как в интерпретации теста «Звезды и волны». С другой — сверху изображаются все те, кого рисующий считает сильнее, главнее себя, как в тесте «Рисунок несуществующего животного». Есть версия, что верхняя часть рисунка означает рациональное начало, осмысленные идеи, цели и ценности.

Низ рисунка также имеет несколько значений. Земля — это реальность, повседневная жизнь, заботы, деятельность — среда, в которой мы живем. В то же время внизу изображается всё малозначимое и отвергаемое, как в тестах «Рисунок семьи» и «Несуществующее животное». В противоопложность рациональному верху, низ иногда рассматривается как иррациональная сторона, т.е. неосознаваемые желания, влечения и поступки.

Правая часть рисунка символизирует будущее. Не зря в рекламе стирального порошка чистую вещь (результат стирки) располагают справа, а грязную — слева.

Левая часть рисунка обозхначает прошлое. Голова, повернутая налево, или машина, едущая налево, указывают на ориентацию на прошлое: сожаления, желание вернуть его, что-то изменить, жизнь в воспоминаниях.

Рисунок мальчика 9 лет очень символичен: он изображает выдуманное событие в пошлом — пожар в квартире, где он жил с родителями, после чего им стало негде жить и его отправили жить к бабушке. На самом деле мальчик переехал жить к бабушке после того, как его родители развелись. Пожар сиволизирует развод. Его бывший дом изображен на рисунке слева, и пожарная машина также движется в левую сторону, так как мальчик до сих пор не понимает, почему так произошло, и часто оглядывается назад.

Помните, что главное при интерпретации рисунка – это общее впечатление от него. Какие эмоции выражены в нем? Радость, удовлетворенность или злость, страх, одиночество – что сейчас живет в душе Вашего ребенка? Что он хочет сказать своим рисунком? На втором месте — сюжет, а на третьем — графические показатели: цвет, размер, расположение и нажим.

Автор Крысанова Светлана

Иллюстрации являются собственность автора.

Смотрите также:  давать или нет карманные деньги,  тест PARI,  игры для обучения чтению: слоги.

Digital art или виды визуального цифрового искусства

Digital art или цифровое искусство — это направление в искусстве, основанное на использовании компьютерных технологий. Авторы digital art охотно используют в процессе творчества компьютерные программы и технологии, а результатом являются произведения в цифровой форме.

Сфера digital art находится в постоянном развитии. Возможности постоянно обновляющихся графических редакторов вдохновляют художников на создание все более необычных образов. Поэтому работы цифровых художников с трудом поддаются классификации. Выделить виды визуального цифрового искусства можно с опрой на технологии, которые используются при его создании, хотя стоит сказать, что многие авторы используют целый комплекс различных цифровых инструментов, смешанные техники.

Виды digital art

Цифровая живопись

Цифровая живопись — это создание электронных изображений с помощью компьютерных имитаций традиционных инструментов художника. Существуют разные технологии цифровой живописи, зависящие от уровня мастерства художника. Начинающие могут создавать иллюстрации по фотографии, более опытные — создавать иллюстрацию по отсканированному рисунку или создавать свои произведения сразу на компьютере или планшете.

Качество цифровой живописи зависит не столько от техники, сколько от мастерства художника, его знания рисунка, анатомии, теории цвета и композиции. Техника лишь существенно облегчает процесс: 
позволяет сохранять этапы работы, отменять неудачные действия, свободно менять пропорции и композицию, работать с цветом.

Цифровая фотография

Технология фотографии, которая использует преобразование света светочувствительной матрицей и получение цифрового файла, используемого для дальнейшей обработки и печати. Принципы работы цифровой фотоаппаратуры не отличаются от аналоговых (пленочных) камер. Три «столпа» на котором держится фотография: скорость затвора (выдержка), диафрагма, создающие экспозицию, и цветовая температура в равной мере важны как для обычных фотографов, так и для цифровых. При этом цифровые фотоаппараты имеют разные автоматические режимы, в том числе и творческие, встроенные фильтры. Цифровая фотография легко может быть подвергнута редактированию: базовой или расширенной цветокоррекции, ретуши и другой обработке.

Векторная графика

Векторная графика (Vector graphics)— иллюстрация, описывающаяся при кодировании математическими формулами, определяющими положение объекта, его форму, параметры обводки и заливки. Векторные изображения (иногда называемые векторными фигурами или векторными объектами) состоят из линий и кривых, заданных векторами — математическими объектами, которые описывают изображение в соответствии с его геометрическими характеристиками.

Векторные изображения можно свободно перемещать и масштабировать без потери детализации и четкости, поскольку такие изображения не зависят от разрешения.

Художники создают с помощью векторной графики прекрасные иллюстрации, абстрактные композиции, пиктограммы, разрабатывают логотипы и анимацию.

Трехмерная графика и анимация

Трёхмерная графика и анимация — раздел компьютерной графики, посвящённый методам создания изображений или видео путём моделирования объёмных объектов в трёхмерном пространстве. При этом 3D-модель может быть реалистичной, вымышленной или полностью абстрактной. В виртуальном пространстве художники могут создавать целые фантастические миры, в которых модель можно рассмотреть со всех сторон, при этом с высокой степенью детализации могут быть проработаны текстуры, освещение, может быть создана анимация объектов и динамическая симуляция частиц.

Динамическая симуляция — автоматический расчёт взаимодействия частиц, тел и пр. с моделируемыми силами гравитации, ветра, выталкивания и др., а также друг с другом.

Полученные трехмерные модели могут быть доработаны в других редакторах.

Фрактальная графика

Фрактал — это фигура или структура, которая обладает свойством самоподобия, т.е. в каждом большем элементе содержится его уменьшенная копия, и так может продолжаться до бесконечности. Фрактальную структуру имеют кристаллы, снежинки и многие другие природные объекты. Компьютерные программы могут строить фрактальные фигуры удивительные по своей красоте и сложности

Типографика

Типографика — искусство оформления при помощи наборного текста, базирующееся на определённых, присущих конкретному языку правилах, посредством набора и вёрстки. В цифровом дизайне и искусстве, ориентированном на соединение всех форм медиа, различных способов предоставления информации, типографика становится одним из художественных средств, причем зачастую ее внешние, формальные характеристики выступают на передний план. Дизайнеры создают шрифтовые плакаты и композиции, в видеозаставках и рекламе текст оживает.

Фотоманипуляции

Фотоманипуляция — это соединение частей разных изображений и графических элементов с целью получить совершенно новое произведение со своим смыслом и назначением. Мастера фотоманипуляции воплощают свои творческие идеи путем комбинирования разных, как правило, качественных стоковых фотографий, в единое цельное художественное изображение.

Современные графические редакторы позволяют создавать удивительные комбинации самых разных визуальных образов, трансформируя фотографии в сюрреалистические картины, стильные дизайнерские композиции, способные воплощать самые сложные концепции или фантазии.

Есть много разновидностей композиций на основе фотографий: коллажи и фотоарт, плакаты и дизайны.

Качественный фотоарт — это не простое «склеивание» кусочков разных картинок в графическом редакторе Photoshop. Он включает в себя обработку всех фрагментов изображений в единой цветовой гамме, тоновую коррекцию, учитывает положение источников света и направление тени, ее практически невозможно разделить на исходные фотографии.

Анимационный дизайн

Анимационный дизайн или графика движения  (англ. Motion graphics) — визуальное оформление видеоклипов, оформления телевизионного эфира, заставок телепередач, титров в кино, рекламных роликов, создаваемое с помощью компьютера, иногда с помощью комбинированных съемок и анимационных эффектов.

До того, как компьютеры стали общедоступны, графика движения была дорога и трудоемка, что ограничило ее использование в высокобюджетном кино и телевидении. Термин «графика движения» связан с ростом популярности компьютерных приложений, подобных Adobe After Effects, Maya, Autodesk 3D Studio Max. Эти программы объединили специальные эффекты обработки видео, наборы инструментов для цветовой коррекции, текстовой анимации, движения камеры и создания многослойных композиций.

Secureworks — We Protect Your World from Ars Thanea on Vimeo.

Перед вами рекламные материалы для кампании ребрендинга Secureworks. В общей сложности авторы подготовили полный пакет: полное CG-видео на основе сложных 3D-частиц.

CGI (англ. computer-generated imagery, букв. «изображения, сгенерированные компьютером») — неподвижные и движущиеся изображения, сгенерированные при помощи трёхмерной компьютерной графики и использующиеся в изобразительном искусстве, печати, кинематографических спецэффектах, на телевидении и в симуляторах.

Компьютерная анимация

Компьютерная анимация — вид мультипликации, создаваемый при помощи компьютера. Художник создает на экране рисунки начального и конечного положения движущихся объектов, а роль фазовщика берёт на себя компьютер, рассчитывая все промежуточные состояния, опираясь на математические характеристики. Полученные рисунки, выводимые последовательно на экран с определенной частотой, создают иллюзию движения.

Компьютерная анимация широкое применение как в области развлечений, так и в производственной, научной и деловой сферах. Являясь производной от компьютерной графики, анимация наследует те же способы создания изображений.

Cities of colors — Amsterdam from Sail Ho Studio on Vimeo.

Опубликовано: 24.09.2017

Обработка цифровых фотографий может стать мощным инструментом реализации самого сложного авторского замысла. Примером успешного  синтеза возможностей искусства фотографии и цифровой обработки в творчестве являются работы Анке Мерцбах (Anke Merzbach). …»Только лица переживших боль имеют выражение» Мрачно-меланхоличные работы показывают нам людей – спящих, мечтающих, созерцающих и тоскующих.  «Только лица переживших боль имеют выражение», – так она говорит о […]

Опубликовано: 12.12.2017

 Ли Мора (Lee Mora) – цифровой художник из США, который совершает удивительные фотоманипуляции и выкладывает эти снимки в Интернете. Эти композиции –  увлекательное путешествие в иные измерения, в которых происходят самые невероятные вещи: трансформируется пространство, меняется гравитация, а фантазия причудливо смешивается с реальностью. Рассматривая эти произведения цифрового искусства, можно помечтать, придумать мистическую историю, а можно […]

Опубликовано: 12.12.2017

«Искусство отражает то, что сокрыто глубоко внутри каждого из нас», — говорит сербский цифровой художник Боян Евтич (Bojan Jevtic). Его работы – смесь фотографий, компьютерных эффектов, текстур и слоёв с элементами digital art, на которых застыли таинственные женские образы. Для создания своих загадочных композиций Боян использует фотографии найденные в сети – они в основном портреты […]

Опубликовано: 12.12.2017

Фантастические панорамы, города под куполом, летающие машины, антигравитация и изменения климата — все наши ожидания и страхи, связанные с будущим, воплощены на цифровых картинах, которые создает российский графический дизайнер Евгений Казанцев. Евгений Казанцев родился в 1978 году в г. Свердловске. Изучал промышленный дизайн в Уральской архитектурной академии. Ведет профессиональную деятельность с 1996 года, специализируясь на айдентике, […]

Опубликовано: 12.12.2017

Как выглядит одиночество отлично знает Франческо Ромоли (Francesco Romoli) – талантливый итальянский цифровой художник. Его серия работ под названием «Мнимые города», показывает одинокого человека, который находится на тускло освещенной улице рядом с плоскими картонными зданиями. Пространство этих работ построено по одной схеме: темная и пустая потрескавшаяся поверхность, по которой бродит крошечный человечек. На обрывках картона […]

Опубликовано: 12.12.2017

Графический дизайнер из Чехии Филипп Ходас (Filip Hodas) создает потрясающие цифровые работы, в которых различные абстрактные формы соединены с земными ландшафтами. С помощью Cinema 4D и других графических редакторов дизайнер оттачивает свои навыки визуализации 3D-объектов, совмещая потрясающие красотой ландшафты с инородными и абстрактными объектами, зависшими в воздухе. Сюрреалистические пейзажи Филипа Ходаса Филипп Ходас создает сплав гиперреализма […]

Опубликовано: 12.12.2017

Эд Лопез (Ed Lopez) — мексиканский цифровой художник. Принимал участие в создании фильмов «Возвращение супермена», «Гарри Поттер и Философский камень», «Хроники Нарнии», «Лев, колдунья и волшебный шкаф» и «Мумия: Гробница Императора Драконов». Делает иллюстрации для интернет-проектов и печатных журналов. Для создания своих произведений использует широкий спектр инструментов:  фотоманипуляции, 3D-моделирование и цифровую живопись. Пейзажи словно уносят […]

Опубликовано: 19.04.2018

Digital art или цифровое искусство — это направление в искусстве, основанное на использовании компьютерных технологий. Авторы digital art охотно используют в процессе творчества компьютерные программы и технологии, а результатом являются произведения в цифровой форме. Сфера digital art находится в постоянном развитии. Возможности постоянно обновляющихся графических редакторов вдохновляют художников на создание все более необычных образов. Поэтому работы цифровых художников с […]

Опубликовано: 24.11.2018

Полигональные фигуры очень напоминают оригами или ограненные драгоценные камни. Давайте разберемся, что такое полигональная графика? И почему дизайнеры так любят использовать этот прием в своих работах? Полигон (от греч. polýgonos – многоугольный), полигональная линия – это ломаная линия, составленная из конечного числа прямолинейных отрезков (звеньев). Под полигоном также понимают замкнутую ломаную линию, т. е. многоугольник. Полигональная графика […]

Опубликовано: 04.12.2018

Иллюстрации британского художника Расса Миллса (Russ Mills) — это не просто портреты красивых девушек и молодых людей. Это зарисовки, отражающие характеры и истории героев. При создании своих работ Рассел использует комбинации живых и цифровых технологий собственного изобретения. Рассел Миллс родился в Йоркшире в 1952 году (Великобритания). Кроме картин, он создает мультимедийные инсталляции и разрабатывает сценические […]

Что такое правополушарное рисование и чем оно полезно

Если вы в поиске интересного хобби, попробуйте правополушарную живопись. Ведь рисовать может каждый, независимо от природного таланта и художественного образования. И наука это подтверждает.

Что такое правополушарное рисование

Лауреат Нобелевской премии Роджер Сперри считал, что полушария головного мозга имеют «функциональную специализацию». Левое отвечает за математические вычисления, логику. У большинства взрослых оно доминирует, так как в обществе принято полагаться на разум, а не на чувства. Правое полушарие — образное, творческое, отвечает за восприятие цвета, сопоставление размеров и перспективы предметов.

Теория доктора Сперри легла в основу метода правополушарного рисования, который в конце 1970-х годов разработала преподавательница искусства, доктор наук Бетти Эдвардс. Работу левого полушария она назвала «Л-режимом», а правого — «П-режимом».

Правополушарное рисование — это художественное творчество в «П-режиме». Это когда правое полушарие головного мозга получает главенствующую роль, а активность левого намеренно подавляется.

Как работает методика правополушарного рисования

Помните, почему герой, ведущий повествование в «Маленьком принце», отказался от «блестящей карьеры художника»? Верно — взрослые приняли его удава, проглотившего слона, за шляпу.

Мышление детей нешаблонно, потому что их знания и опыт невелики. Левое полушарие мозга пока что не доминирует — нет привычки «думать рационально».

А теперь представьте, что вам нужно нарисовать дом. Как только вы об этом подумаете, левое полушарие тут же превратит дом в квадрат (здание), треугольник (крыша) и цилиндр (труба). В результате вместо цельного образа на листе получится набор геометрических фигур, из которых состоит жилище. Но если включить правое полушарие, рисунок выйдет более детальным и живым.

Отсутствие анализа позволяет расслабиться и наслаждаться процессом правополушарного рисования. Главное — преодолеть страх «нарисовать непохоже»  

В чём польза правополушарного рисования

• Развитие когнитивных функций. Любое рисование, в том числе правополушарное, улучшает восприятие, зрительную память и мелкую моторику.
• Развитие воображения. Рисование правым полушарием снимает барьеры, отпускает фантазию в полёт, отвлека

6 важных отличий дизайна от искусства

Вы можете подумать, что знаете разницу между искусством и дизайном, но не могли бы вы описать это словами?

В чем разница между искусством и дизайном? Это элементарный вопрос, который часто упускают из виду те, кто знаком с этими двумя профессиями и их различиями.

Тем не менее, люди часто ломают голову, когда я сообщаю им, что у меня есть степень бакалавра изящных искусств в области промышленного дизайна с акцентом на дизайн продукции.Я делаю графику, книги, мосты, здания, веб-сайты, одежду, бутерброды? Мне задавали все эти вопросы.

Итак, давайте прольем свет на профессию дизайнера и на то, чем она отличается от искусства. Вот шесть основных различий между этими двумя дисциплинами.

01. Конечный продукт

Художники и дизайнеры создают визуальные продукты, проще говоря. Однако художники создают глазные конфеты для конечного пользователя. Настоящая картина или иллюстрация созданы с намерением стать окончательным результатом видения художника.

Будь то книжная иллюстрация, холст для галереи, картина в рамке, которую нужно повесить в доме, или фреска, произведение искусства является конечным продуктом потребления.

Дизайнеры создают красивые изображения как форму общения и являются одним маленьким шагом в производственном конвейере. Дизайнер будет использовать визуализацию, эскизы, модели и другие средства, чтобы передать свой дизайн группе людей, которые все вместе работают над созданием расходного конечного продукта. Конечным продуктом может быть видеоигра, фильм, газонокосилка, ноутбук, рюкзак или предмет мебели.

Первоначальные эскизы, визуализации или макеты дизайнера предназначены не для того, чтобы их увидел потребитель, а для объяснения своего дизайнерского решения тем, кто поможет воплотить дизайн в жизнь.

02. Как решаются проблемы

Дизайн — это, по сути, решение проблем, как объясняет проект «Дизайн-мышление»: http://alpha.projectmash.org/groups/design-thinking

Каждый решает проблемы так или иначе. В большинстве случаев проблема художника заключается в том, что у него есть идея или видение, и они хотят поделиться ими с другими.Он или она создает произведение искусства, и проблема решена. К дизайнерам часто обращаются с «проблемой» клиента, которую он или она затем решает.

Например: компания хочет увеличить продажи продукта, который они продавали годами. Затем работа дизайнера превращается в несколько более мелких проблем, которые должны убедить (потенциального) потребителя в том, что этот продукт лучше, чем тот, которым он или она уже владеет.

Дизайнер может обновить форму, улучшить эргономику, использовать другой метод производства, который снижает стоимость, и почему бы не включить новую функцию?

Может быть, конечным результатом станет современный продукт, который складывается для экономии места, более удобен в использовании и даже стоит потребителю меньше денег, чем последний, который он покупал раньше.Дизайнеры решают проблемы клиентов и потребителей.

03. Уровень мастерства

Мастерство — это термин, используемый для описания навыков, используемых для создания продукта. Художники — мастера, потому что без высокого уровня мастерства их работа не будет отличаться от работы новичков. Часто мастерство художника со временем увеличивается и, следовательно, увеличивает ценность картины, созданной им или ею.

Мастерство дизайнера заключается в быстром и элегантном общении и решении дизайнерских задач.Дизайнеру не нужен высокий уровень мастерства, чтобы «продавать» идеи так, как это может делать художник, но никто не может спорить, чем выше мастерство, тем ценнее дизайнер.

04. Как люди взаимодействуют с ним

По сути, дизайнеры создают продукты, с которыми люди взаимодействуют.

Взаимодействие людей с работами художников часто бывает очень пассивным и визуальным. Если это не инсталляция или скульптура, взаимодействия часто минимальны.

Однако взаимодействие — очень важная часть дизайна.Большинство дизайнеров находят решения общих проблем, создавая продукты, с которыми люди часто взаимодействуют. Будь то мебель, инструменты, электроника, одежда, посуда или автомобили, все эти продукты разработаны с учетом потребностей конечных пользователей. Прежде чем проект можно будет назвать успешным, необходимо решить ряд проблем, одна из самых важных — взаимодействие.

05. Функции, которые они выполняют

Какую функцию выполняют художественные произведения? Чаще всего он используется как визуальная стимуляция, как украшение или повествование.Продукты, воплощенные в жизнь дизайнерами, должны выполнять определенную функцию, чтобы быть успешными.

«Функциональный дизайн» — это термин, который часто используется для обозначения того, что «этот продукт функционирует таким образом, чтобы удовлетворить конкретную потребность». Если самый красивый консервный нож был разработан из высокотехнологичного, модного и сверхлегкого углеродного волокна, он может быть «спроектирован», но не может быть функциональным. Материал может быть недостаточно прочным или острым, чтобы открывать консервную банку, и если он в 100 раз дороже, чем обычный консервный нож, его невозможно продать как потребительский товар.

В данном случае, ультратонкий консервный нож из углеродного волокна, скорее, чем продукт, будет считаться произведением искусства, поскольку он будет служить заявлением и быть замеченным — а не использоваться для открывания консервных банок. И, по всей видимости, массового производства он не будет, что подводит меня к последнему пункту.

06. Как это производится

Дизайн обычно создается с учетом массового производства

Произведения искусства часто создаются для продажи в виде оригиналов за денежную сумму, которая отражает количество усилий и часов, затраченных на них художником. .Дизайн обычно создается с расчетом на массовое производство.

Будь то расходный материал, приложение, графика или интерьер, количество деталей, которые необходимо будет произвести, играет большую роль в том, как что-то спроектировано. Дизайнер часто будет помнить об этом, когда продукт становится более сложным. Для снижения затрат на рабочую силу следует использовать автоматизированные производственные процессы.

Дизайнеры стремятся снизить производственные затраты и учитывать весь срок службы продукта (от концепции до потребления и утилизации) и интегрировать функции, чтобы сделать их более удобными для потребителей и экологичными.

Наконец …

Я никоим образом не делаю вывод и не утверждаю, что дизайн лучше искусства, только другое. Оба ценны и требуют огромного количества обучения и практики, чтобы преуспеть. В следующий раз, когда вам нужно будет объяснить, что вы делаете, возможно, вам пригодятся некоторые из перечисленных выше различий.

Words: Уилл Гиббонс

Уилл Гиббонс — американский независимый промышленный дизайнер и дизайнер. Другие его работы можно найти на сайте www.WillGibbonsDesign.com.

.

Вызов 20 художественных стилей — BrushWarriors

Еще один арт-мем захватывает Интернет! 20 художественных стилей вызов — проверьте свои навыки рисования и нарисуйте своего собственного персонажа в 20 различных художественных стилях!

Пробовали ли вы когда-нибудь подражать стилю другого художника? Или — вам было интересно, есть ли у вас свой узнаваемый стиль рисования?

Я сделал. И я не считал себя человеком, имеющим свой уникальный стиль рисования — мне нравится рисовать рисунки в стиле манга, а также гиперреалистичные портреты.
Пока я не опубликовал скетч в Instagram, и моя подруга не заметила, что она узнает мой старый стиль в скетче.

Держу пари, вы знаете такую ​​ситуацию, когда вы смотрите на определенное произведение искусства и думаете: «О, это определенно * имя художника * рисунка. Это ее стиль ». И, может быть, вы, как и я, думаете, что ваш художественный стиль не уникален? Тогда у меня для вас есть подходящий вызов по искусству

Итак, вы хотите увидеть, чем ваш художественный стиль отличается от стиля других художников? Присоединяйтесь к испытанию 20 художественных стилей!

Что такое вызов 20 художественных стилей?

20 художественных стилей вызов — это художественный вызов, в котором ваша задача — нарисовать одного и того же персонажа / себя в 20 различных художественных стилях.

Это популярное художественное задание, размещенное в Instagram и других социальных сетях с хэштегами: # 20stylechallenge # 20styles и хэштегами художественных стилей, которые они использовали в этом челленге.

Пс. Если вы хотите принять участие в других художественных испытаниях, вам обязательно нужно ознакомиться с этим списком художественных испытаний !

Шаблон вызова 20 художественных стилей

Я создал шаблон для конкурса «20 художественных стилей». Это файл в формате PSD, который вы можете скачать бесплатно и при необходимости изменить.

Щелкните ссылку выше, чтобы загрузить шаблон PSD. Каждый логотип находится на отдельном слое, вы можете удалить их и добавить нужный логотип. В этом случае я собрал несколько наиболее часто используемых художественных стилей в этой задаче и поискал логотипы.

* Информация: если у вас нет Photoshop, вы можете открыть файл на Photopea.com

По сути, это простая онлайн-версия PS. Вы можете увидеть краткое объяснение того, как использовать аналогичный шаблон и Photopea в этой статье: Art vs Artist

Список вызовов 20 художественных стилей:

Я собрал наиболее часто используемые художественные стили в этом испытании.Ниже вы найдете список и логотипы. Я также включил изображения под каждым логотипом, чтобы вы могли посмотреть на художественный стиль без необходимости искать его в Google.

Если есть какой-то художественный стиль, который я не упомянул, дайте мне знать в комментариях!

Studio Ghibli style

Стиль Вселенной Стивена

Стиль «Время приключений»

Стиль Гравити Фолз

Звезда против сил зла стиль

Стиль Тима Бертона

Card Captor в стиле сакуры

Стиль Дисней

Dragon Ball Z стиль

Стиль One Punch Man

Гориллаз стиль

Стиль My Little Pony

Стиль Sweet Sins

Стиль Осомацу

Стиль крутых девчонок

Крутые девчонки в стиле Z

Стиль покемонов

Стиль Сейлор Мун

Стиль Пожирателя душ

Моб психо 100 стиль

Над садовой стеной

Стиль Юных Титанов

Гамбол стиль

В стиле Наруто

Стиль Boku no hero academia (Моя геройская академия)

Цельный

Скотт Пилигрим стиль

20 работ Art Styles Challenge

.

Почему рисовать по фотографиям коварно — ВИДЕО

Рисунок по фотографиям и рисунок из жизни

Владимир Лондон

Вы можете согласиться или не согласиться с мнениями, выраженными в этой презентации. Пусть ваш голос услышат. Пожалуйста, комментируйте и задавайте вопросы ниже. Буду рад ответить на ваш вопрос в другой видео-презентации.

Как основатель и наставник Академии рисования, я получаю много вопросов от студентов и подписчиков Академии.Некоторые вопросы относятся к той же категории. Многие хотят знать, «хорошо ли рисовать по фотографиям», «есть ли в курсе Академии рисования уроки, как рисовать по фотографиям», «предоставляет ли Курс рисования фотографии для рисования» и так далее.

Чтобы ответить на эти вопросы и помочь вам решить, рисовать по фотографиям или с натуры, я создал эту презентацию. Я подробно освещаю эту тему и поднимаю вопросы, которые вы, возможно, захотите обсудить. Поэтому не стесняйтесь оставлять свои отзывы и комментарии ниже на этой странице.

Меня зовут Владимир Лондон, и я увлечен обучением студентов-искусствоведов тому, как рисовать, используя традиционные навыки рисования, которые развивались со времен старых мастеров. Мое художественное образование насчитывает более 15 лет. Он включает в себя интенсивное изучение рисунка, живописи, скульптуры, композиции и истории искусства. У меня также есть степень учителя рисования, что дает мне право говорить на тему «Как научиться рисовать».

Вам нравятся рисунки по фотографиям?

Я уверен, что вы видели в Интернете замысловатые рисунки в гиперреалистичном стиле.Такие рисунки графитным карандашом могут казаться такими же реалистичными, как черно-белые фотографии. И есть причина, по которой они выглядят как фотографии; они были скопированы вручную с фотографий.

Я должен отдать должное тем мастерам и мастерицам, которые кропотливо копировали фотографии на бумагу для рисования. Такая целеустремленность требовала большого терпения, внимания к деталям, тщательности и других навыков. Я уверен, что результаты их радуют, и многие зрители находят эти рисунки весьма приятными.

В то же время есть много людей, в том числе профессиональных художников с солидным традиционным художественным образованием, которые не поддерживают идею рисования по фотографиям.

Посмотрим, почему.

Рисование по фотографиям изобразительное искусство?

Гиперреалистичные копии фотографий в реальной жизни могут выглядеть впечатляюще, потому что это не фотографии, а нарисованные вручную части. Парадокс заключается в следующем: чем точнее нарисована копия, тем менее ценным она становится как предмет искусства.

Я проиллюстрирую это утверждение на простом примере. Когда фотографируется традиционное профессиональное произведение искусства, эта фотография по-прежнему дает представление об истинном отображении чувств, мыслей и убеждений художника, его или ее личного художественного стиля, художественной школы, художественного движения и т. Д.

Когда фотографируется гиперреалистичная копия фотографии, она теряет большую часть своей привлекательности. Фотографирование такого произведения искусства замыкает круг — от фотографии к рисунку, а затем обратно к фотографии.Учитывая, что рисунок, сделанный, например, графитом или углем, был искусно скопирован, фотография произведения искусства будет выглядеть так же, как и исходная фотография, с которой она была сделана. Это сводит на нет всю цель упражнения. В нем нет личного стиля художника, никаких творческих мыслей или чувств, просто то, что было заранее — отражение навыков фотографа.

Вы можете подумать, что изготовление такой копии — настоящее искусство, потому что для этого требуются навыки, которыми не все обладают. Да, это верная точка зрения, и я полностью согласен с тем, что гиперреалистичное копирование фотографий требует навыков рендеринга оттенков и правильного видения и оценки тональных значений, терпения и точности, того, как масштабировать рисунок вверх или вниз и как точно передавать это на бумагу.

Но все эти навыки механические, а не творческие. Тот, кто обладает такими способностями, является хорошим копировальным аппаратом, что не делает его или ее прекрасным художником. Чтобы быть прекрасным художником, требуется нечто иное, помимо механических навыков.

Посмотрите на это с другой стороны. Если кто-то переписывает книгу Льва Толстого «Война и мир», скопировав более трех миллионов знаков из более чем полумиллиона слов, это будет хорошая копия книги. Мы можем восхищаться усилиями и выполнением этой огромной задачи.Но это не сделало бы этого человека писателем. Независимо от того, насколько точна копия книги, она не делает копировального аппарата писателем.

То же самое и с изобразительным искусством. Совершенная копия, сделанная с фотографии, не делает из человека прекрасного художника. И точно по этой же причине процесс копирования с фотографии нельзя назвать изобразительным искусством в его истинном смысле.

Почему люди рисуют по фотографиям?

Вы можете сказать:
— Легче скопировать, чем рисовать с натуры или воображения;
— Новичок может быстрее добиться лучшего результата;
— Не требует длительного и интенсивного художественного образования и практики;
— не требует знания анатомии и пропорций человека;
— не требует знаний о том, как рисовать в перспективе и композиции;
— Приятно, когда результаты выглядят так «профессионально»;
— Хорошо получать положительные отзывы, одобрение и признание со стороны других.

Этот список может быть еще больше, так как у каждого свои причины. Или это может быть просто: «Я рисую, и мне это нравится».

Когда началось рисование по фотографиям?

Думаю, с изобретением фотографии. Люди всегда стремятся облегчить себе работу. Мы стали свидетелями резкого увеличения количества рисунков по фотографиям с развитием фотооборудования. С тех пор, как цифровые камеры с высоким разрешением стали доступными на массовом рынке, это отразилось на многих одаренных любителях, копирующих фотографии дюйм за дюймом, пиксель за пикселем.Эта практика поддерживается одобрением коллег в социальных сетях. Он также нашел свое место в художественной индустрии.

Каждый год я посещаю выставку премии BP Portrait Award в Лондоне. Ежегодно среди произведений искусства выставляется много негабаритных гиперреалистичных портретов, явно скопированных вручную, точка за точкой. Такое копирование совершенно бессмысленно. Сюда входят искажения фотообъектива, дефекты фокусировки, фото-перспектива и т. Д.

Единственный вопрос, который приходит мне в голову при просмотре таких портретов: «ПОЧЕМУ?»

ПОЧЕМУ кто-то потратил столько времени и сил, чтобы стать человеком-копировальным аппаратом? ПОЧЕМУ изобразить каждую пору лица с одинаковым вниманием к основной и второстепенной части изображения? ПОЧЕМУ создавать точную копию цифрового изображения без какого-либо творчества?

Я уверен, что есть много людей, которые не согласятся с этим мнением.Многие могут сказать: «Но копии с фотографий выглядят так реалистично, я бы хотел это сделать».
Использовали ли старые мастера фотографию для своих шедевров?

Думаю, если бы у старых мастеров был доступ к современному оборудованию, они бы им воспользовались. Но не копировать с фотографий. Они будут использовать фотографии для вдохновения, в качестве ориентира, в качестве альбомов, архивов и тому подобного.
Вот что старые мастера говорят о рисовании:

«Рисование основано на перспективе, которая есть не что иное, как глубокое знание функции глаза.”
Леонардо да Винчи

«Никто никогда не должен подражать стилю другого, потому что в отношении искусства он будет называться племянником, а не дитем природы».
Леонардо да Винчи

«Художник должен иметь свои измерительные инструменты не в руке, а в глазу».
Микеланджело

«Выбирай только одного хозяина — Природу».
Рембрандт

Копирование с фотографий по сравнению с мелким рисунком

Вы скажете, ну и что.Судим по результатам. Работа выглядит великолепно, и кого волнует, было ли она сделана по фотографии.

Если бы цель заключалась в создании реалистично выглядящего изображения вручную, то для человека без формального художественного образования было бы проще скопировать фотографию, чем создать оригинальное произведение искусства. Однако, если кто-то хочет научиться рисовать, копирование с фотографий принесет больше вреда, чем пользы.

Любитель, художник-самоучка или новичок могут здесь запутаться. Как рисование по фотографиям не помогает приобрести хорошие навыки рисования?

Фотографии — это наглядная помощь художнику-любителю, так как на плоской поверхности бумаги гораздо проще воспроизвести двухмерное изображение.

Я помню, как читал рассказ одного художника, когда он признался, что, несмотря на то, что он стал признанным художником-портретистом, ему было очень трудно рисовать эти портреты с натуры. Он тайно фотографировал натурщиков в своей студии, а потом работал по фотографиям. Он признался, что научился рисовать по фотографиям и так и не смог улучшить свои художественные навыки.

Вот он, самый важный вопрос презентации:

Почему рисование по фотографиям вам не подходит?

Есть семь основных причин, почему рисование по фотографиям мешает развитию хороших художественных навыков:

1.Копирование двухмерных фотографий мешает художнику видеть объекты в объемах и пространстве.
2. Не позволяет художнику судить о расстоянии и перспективе.
3. Художник не думает и не визуализирует трехмерную природу объекта, но подсознательно рассматривает все объекты и формы в двух измерениях, как это видно на фотографиях.
4. Копируя плоские изображения, художник не создает конструктивный рисунок; нет исчерпывающего понимания масс объектов и их пространственного соотношения.
5. Рисование по фотографиям заставляет художника рисовать то, что он или она видит, а не то, что известно.
6. Это мешает художнику учиться и следовать традиционным, проверенным временем, пошаговым методам рисования, которые были усовершенствованы многими поколениями прекрасных художников, начиная со старых мастеров.
7. Работа с фотографиями не дает художнику учиться на своих ошибках и делает невозможным улучшение навыков рисования путем анализа и исправления этих ошибок.

Рисование по фотографиям заставляет мозг художника стать копировщиком, а не творцом.Глаза художника привыкают к плоским изображениям, и очень трудно, если не невозможно, перевоспитать такого художника, чтобы он рисовал с натуры. Вот самый большой недостаток рисования по фотографиям — если вы слишком привыкнете к копированию плоских изображений, вы, скорее всего, ограничите свои возможности в обучении искусному рисованию.

Чтобы понять почему, мы должны изучить еще один вопрос:

Как происходит волшебство рисования?

Если ваша цель — научиться рисовать, вам необходимо развивать глаза, руки и, прежде всего, голову, чтобы добиться успеха.

Волшебство рисования происходит не только на бумаге. Чаще всего это происходит в голове.

Любая обезьяна может сделать отметку карандашом. Но никакая обезьяна рисовать не умеет. Рисование — довольно сложный познавательный процесс, который сильно отличается от того, что происходит при копировании. Рисуя по фотографиям, рисовальщик не будет развивать умственную прогрессию наблюдения, обработки, интерпретации и последующего выражения трехмерного пространства на плоской поверхности, что называется рисованием. Напротив, эти мысли и процессы будут подавлены и заменены другими, которые помогают воспроизвести двухмерное изображение на плоской поверхности.Вот почему копирование с фотографий оттолкнет студента-искусствоведа от цели, которую он или она хочет достичь — развить хорошие навыки рисования.

Старый мастер прекрасно понимал эту теорию. Вот что сказал Леонардо да Винчи : «Художник, который рисует практикой и суждением глаза без использования разума, подобен зеркалу, которое воспроизводит в себе все объекты, расположенные напротив него, не зная об этом».

Микеланджело Буонарроти выразился еще яснее: «Человек рисует мозгом, а не руками.”

Рисование — это функция мозга. Я защищаю тезис о том, что прекрасный художник рисует то, что знает, а не то, что видит. Это прекрасно сочетается с другой цитатой известного художника Рембрандта: «Попробуйте применить на практике то, что вы уже знаете; и поступая так, вы в свое время откроете для себя скрытые вещи, о которых вы сейчас спрашиваете. Практикуйте то, что вы знаете, и это поможет прояснить то, чего вы сейчас не знаете ».
Как насчет рисования заказных портретов по фотографиям?

Когда дело доходит до рисования портретов на заказ, некоторые говорят, что рисование по фотографии очень полезно, потому что даже посредственный художник может добиться большего сходства.И клиенту не нужно позировать часами. Я не не согласен с этим. Однако снова возникает вопрос, можно ли назвать копию с фотографии изобразительным искусством?

Когда клиенты просят портрет, они не обязательно имеют четкое представление о том, чего они хотят — точное изображение самих себя, сделанное вручную, или творческое, умелое и художественное представление их личности в графической форме.

Я уверен, что у клиентов уже есть личные фотографии, а у кого их нет? Так что, скорее всего, они имеют в виду произведение искусства, которое их изображает.Наверное, они хотят увидеть свой образ глазами хорошего художника. Оригинальность произведения искусства — вот что здесь важно и делает портрет более ценным. Скорее всего, клиенты хотят уникальный, стильный и профессионально сделанный шедевр, отражающий их внутреннюю сущность. Этого можно достичь только когнитивным процессом рисования, а не рассеянным копированием.

Конечно, портрет должен иметь сходство. А что, если у художника нет навыков для этого? Нет другого выхода, кроме как научиться рисовать.

Здесь мы подходим к важному вопросу:

Как мне получить хорошие навыки рисования?

Если вы хотите стать опытным копировщиком, сделайте это, но не надейтесь стать художником. Копируя, вам всегда будет мешать двумерное изображение, которое вы должны воспроизвести.

Если вы хотите развить свои навыки рисования до уровня рисования всего, что вы хотите от жизни или своего воображения, нет другого пути, кроме как научиться рисовать.

Научиться рисовать никогда не поздно.Один из величайших художников, когда-либо живших, Микеланджело однажды сказал: «Я все еще учусь». Он также упомянул: «Если бы люди знали, как много я работал, чтобы достичь своего мастерства, это все не казалось бы таким чудесным».

Да, обучение рисованию требует времени и усилий. И если ваша цель — стать хорошим художником, время, потраченное на обучение, того стоит.

Независимо от вашего возраста, вы можете научиться хорошему рисованию уже сегодня.

Когда дело доходит до вопроса о том, где научиться рисованию, я должен сказать, что образование в области современного искусства не даст вам сильных навыков рисования.Сегодня в Западной Европе и Северной Америке качественное художественное образование заменено учебной программой «самовыражения». В мире осталось не так много мест, где еще можно найти художественные учреждения, обучающие традиционным, проверенным временем техникам рисования.
Чтобы помочь вам в вашем желании научиться рисовать, я создал курс Академии рисования, где вы можете изучить навыки рисования, не выходя из дома.

Академия рисования — это онлайн-курс, который обучает основательным навыкам классического рисования.Преподаватели Академии на своих собственных примерах покажут вам, как рисовать, создавая произведения искусства прямо у вас на глазах от начала до конца, при этом шаг за шагом объясняя все, что вам нужно знать о рисовании.

Для вашего творческого успеха,

Владимир Лондон
Репетитор Академии рисования

Записаться на курс Академии рисования:

Оплатите курс в 3 простых платежа

• Получайте 15 новых видео ежемесячно (всего 45)
• Невероятная скидка — 4 164 $
• Бонусы — электронные книги и видео по изобразительному искусству
• Диплом отличия Академии рисования после завершения курса за 3 месяца
• Персональное обучение преподавателей Академии рисования
• Пожизненное членство.Бесплатно после 3-го месяца

Общая стоимость: 291 доллар (три платежа по 97 долларов)

Получите все видео уроки за единовременную оплату

• Мгновенный доступ ко всем 45 видеоурокам
• Невероятная скидка — 4198 долларов
• Бонусы — электронные книги и видео по изобразительному искусству
• Диплом отличия Академии рисования после завершения курса за 3 месяца
• Персональное обучение преподавателей Академии рисования
• Пожизненное членство.Больше никаких платежей

Общая стоимость — всего 257 долларов

Категория: Новости Академии рисования

.

Рисунок из жизни от projecteducate на DeviantArt

Когда я учился в школе, наш учитель рисования жизни заставлял нас сосредоточиться только на одной области тела модели во время рисования, пытаясь сформировать впечатление от остальной части этого тела, глядя только на одну точку фокусировки.

Постепенно руки и ноги будут прожигать периферию того, что мы видели, когда, например, смотрели на левый глаз модели, и это было то периферийное впечатление, которое мы пытались передать с помощью наших обрубков виноградного угля, что, как мы надеемся, привело к на рисунках, которые копируют то, что мы на самом деле видели , в отличие от того, что может видеть камера.

Такая концентрация и сосредоточенность вызывают легкое, похожее на транс состояние и раскрывают красоту человеческой плоти, в какой бы форме она ни была — модели, которые, вероятно, никогда не появятся на обложке итальянского Vogue, тем не менее будут сиять под светом прожекторов в классе, и вы увидите, как чудесно человеческое тело поглощает и отражает свет; как этот свет определяет форму и отбрасывает тени различной интенсивности. Мы ушли с этих занятий с другим представлением о красоте, чем то, с которым пришли, потому что научиться рисовать на самом деле означает научиться видеть…

: большой палец158112714:

: thumb265815012:

В большинстве крупных городов где-то будет группа художников, собравшаяся вокруг модели, которую они все выложили по несколько долларов каждый, чтобы заплатить за вечерние позы.Чтобы найти их, просто введите в Google «Сеансы рисования жизни» и укажите название города, в котором вы живете. В противном случае попросите друга позировать вам…

Большой планшет из недорогой газетной бумаги с грубой текстурой; мешок виноградного угля; месивший серый ластик; один или два больших листа хорошей пастельной или акварельной бумаги с тяжелой текстурой и место, где можно сесть или встать, а также какая-то деревянная лошадь, на которую можно накинуть ваш газетный планшет, и вы в деле.

Разогреваться с помощью быстрых «жестов» — это разумно — установить таймер для одноминутных звуков и набросать общий жест тела модели, начиная с наклона и наклона позвоночника и быстро переходя к голова и конечности.Пусть ваша модель резко меняет позы в конце каждой минуты. К концу 15 минут этих быстрых набросков вы будете готовы увеличить таймер до 5-минутных поз — больше визуальной информации для записи, но все же попытка собрать только общее впечатление о теле и его жестах. . Затем усадите модель в удобную позу, которую можно продержать полчаса. Постарайтесь сфокусироваться только на одном глазу или на одном ухе вашей модели и получить ваши впечатления от всего тела так же хорошо, как вы можете, глядя на из , который определил фокусную точку наружу.

В конце этого получасового рисунка сделайте 10-минутный перерыв, а затем вернитесь с хорошей, сильно текстурированной пастелью или акварельной бумагой и перенесите всю энергию и оставшиеся впечатления от первого часа рисования на устойчивый , часовое изучение той же модели…

Независимо от того, чем вы занимаетесь ежедневно, нет ничего, что могло бы зарядить ваши батареи рисования более основательно и приятно, чем рисование вживую; И это захватывает больше, чем почти все остальное, соревнуясь в свободное время.

.